Aquí empezó todo: Clarence, una historia curiosa y la Fender Telecaster, (1951)

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Queridos amigos de El Círculo Beatle, un servidor inicia una serie de publicaciones sobre guitarras y bajos emblemáticos en la historia no sólo del Rock, sino en general de la música del siglo pasado y de lo que va de éste; considero de interés para todos ustedes, el platicarles acerca de algunos datos básicos de materiales de construcción, características físicas y poder ilustrar también de alguna manera, el sonido icónico de dichos instrumentos musicales en las melodías en que fueron utilizados, así como algunos de los músicos más relevantes asociados con los mismos. Espero les guste esta saga tanto como a un servidor, es un placer hablar de un hobby dentro de otro.

Clarence Leo Fender, considerado el padre de la guitarra eléctrica junto con otros grandes prohombres como Les Paul (Lester Polfuss), Paul Bigsby, Orville Gibson, Lloyd Loar, Fred Gretsch y Adolf Rickenbacker (Richenbacher) es reconocido a nivel mundial como un gran héroe de la música de todos los géneros, ya que gracias a sus experimentos e inventos, llevados a cabo en forma paralela con los realizados por los anteriormente mencionados, se logra desarrollar la tecnología necesaria para la consecución de dos temas muy relevantes: por un lado, amplificar el volumen de un instrumento que para la época de la que estamos hablando era poco menos que notable, y por otra parte, producirlo en masa. Primero que nada, debemos preguntarnos ¿para qué querría alguien amplificar el sonido de una guitarra? ¿Y para qué producirla en masa?

La guitarra, a inicios del siglo pasado, era un instrumento que tenía una dualidad interesante en la percepción de los Estadounidenses, ya que por un lado era muy socorrido entre las clases pudientes, utilizándose principalmente en orquestas de mandolinas y guitarras para que las señoritas de las familias de clase media y alta tuvieran un hobby musical sin necesidad de comprar un piano, y por otra parte, Los cowboys del sur de USA, ejemplos de clase trabajadora, habían conseguido sus guitarras – y aprendido la manera de fabricarlas- de parte de los vaqueros mexicanos, la costumbre de cantar lánguidas baladas de amor dedicadas a las Southern Belles, así como también las odas al heroísmo desplegado en la conquista del salvaje oeste por parte de despiadados pistoleros, todo esto con alta influencia de los corridos mexicanos. Por otra parte, los esclavos negros de las plantaciones aprendieron a adaptar sus cánticos originales y a combinar con otros géneros musicales en boga para desarrollar cantos de lamentación, de adoración y de alabanza, que se volvieron la raíz del Blues y del Gospel. La guitarra jugó un papel decisivo, junto con la armónica y el banjo, para el desarrollo de estos géneros. Pero aún no es necesario amplificar la guitarra, ya que la ejecución del instrumento es de forma individual e intimista.

La década de los años treinta del siglo pasado era dominada en los Estados Unidos en el terreno musical por el sonido de los cantantes solistas (crooners, masculinos y sirens,femeninas) acompañados por multitudinarias orquestas (a las que se les llamó grandes bandas por esta razón) en las que se podían contar, cuando menos de siete a diez instrumentos de viento(trompetas, trombones, saxofones, clarinetes), y junto al contrabajo, batería, piano y a veces hasta sección de cuerdas (violines, violas, cellos, concertinas) pues la guitarra de ritmo se perdía sin remedio entre todo ese guirigay; al tender la música hacia la sección rítmica, como en el swing y el jazz, el guitarrista de la orquesta empezaba a desarrollar una personalidad cada vez más relevante, ya que la chitarra es el instrumento rítmico y melódico por excelencia, y se merecía (y se necesitaba) que fuera escuchado de una mejor manera. La guitarra es el instrumento musical que desarrolla mayor proyección de estilo personal del ejecutante.

La construcción de una guitarra común está basada en una caja hueca fundamentalmente construida de maderas duras, cedro, fresno, aliso, roble, o caoba, que sirve como cámara de resonancia al amplificar el sonido producido por la vibración de las cuerdas. Al intentar colocar un micrófono para potenciar el sonido natural de la guitarra sucede un fenómeno conocido como feedback en inglés y cómo retroalimentación o acople en español, y que no es otra cosa que la intromisión del ruido ambiente a una cámara de resonancia pequeña, como la de la guitarra, por medio del micrófono; esto fue lo que originó el principio del instrumento alternativo – la guitarra eléctrica- que no fuera hueco, sino de cuerpo sólido, y que llevase el micrófono integrado al mismo, para evitar movimientos que causaran ruidos extraños e indeseables. Lográndose este sencillo principio, podría transmitirse el sonido de una guitarra a un amplificador, y se podría controlar fácilmente su volumen de salida final. Por sencilla que parezca esta teoría ahora, tardó varios años en desarrollarse y comprenderse.

La primera empresa musical que se dio cuenta de esta teoría y la puso en práctica fue Rickenbacker, quien lanzó una primitiva y prototípica guitarra eléctrica tan temprano como 1931, y que es conocida como «el sartén» (frying pan) por la forma que tenía, muy similar a un banjo –y a un sartén- y compuesta de metal y un plástico pionero llamado bakelita (de la que estaban hechos los radios de los 1930’s).También Gibson empieza a colocar a mediados de esta década micrófonos integrados a sus modelos de línea, y así tenemos que por ejemplo, a su popular modelo L-5, le colocaron un micro embobinado atornillado a la caja, lo convirtieron en el modelo ES 150, y lo vendían con un amplificador de tamaño pequeño; con ello se logró aumentar la potencia de salida hasta la asombrosa-para aquel entonces- cantidad de ¡20! watts de salida, lo cual era un gran avance, Gretsch y Epiphone, también siguieron esa línea. Pero aún hablamos de instrumentos de caja hueca, que en un caso muy favorable llegan a tener un volumen de 3 a 5 Watts de potencia.

El siguiente gran avance histórico en el desarrollo de las guitarras eléctricas, correría a cargo del nativo de Wisconsin, Lester Polfuss, quien, además de ser un músico de jazz notable, guitarrista veloz e innovador y padre del Rock y la grabación moderna entre otras cosas, tuvo a bien construir una guitarra a base de un polín de madera de pino de 4×4 pulgadas, el cual corta al tamaño de una guitarra normal, y en el cual monta el micrófono de una victrola en donde iría la boca del instrumento, y le pega  a los costados las mitades de una guitarra Epiphone así previamente seccionada. Logra captar la atención de Orville Gibson, quien lo batea de Home Run por la fealdad del experimento, y quien lo guarda en su archivo muerto hasta 1952. Dicha guitarra se llama » The Log» y esta exhibida en un museo gringo. Gibson lamentaría posteriormente dicha decisión, pues le costaría muchos miles de dólares el no haber comercializado la invención cuando lo propuso Lester.

Paul Bigsby diseña y construye algo muy parecido a una guitarra eléctrica moderna en 1947, pero no se le da el mérito de la invención, ya que fue un instrumento no producido en serie, de hecho fue bajo pedido expreso del estrella de música country Merle Travis, quien quería reproducir el sonido de las steel guitars tan típicas de la música de vaqueros gringos con mayor facilidad; cabe mencionar que este estilo de guitarras, eran bastante grandes a comparación de una lira normal y eran parte estelar de los catálogos de instrumentos musicales de marcas como Kay,Harmony, National, Rickenbacker e incluso el mismo Fender. Ahora sí, será más sencillo entender qué onda con este fabricante californiano.

El buen Leo, nacido en marzo de 1909, establece un taller de reparaciones electrónicas con tienda de radios en 1939, a pesar de tener antecedentes netamente campesinos (por su familia) y estudios de contabilidad, que abandona al inicio de la gran depresión económica norteamericana. La electrónica fue siempre su hobby, y, aunque nunca aprendió a tocar ningún instrumento, siempre fue un entusiasta del diseño de guitarras y amplificadores; a esta la tienda la nombró «Fender Radio Service» y siendo recién casado, se veía optimista en su comunidad de Fullerton, CA. con el negocio de «electrodomésticos, discos fonográficos, partituras, instrumentos musicales y reparaciones» como lo decía su tarjeta de presentación. Reitero que la guitarra «Hawaiana», fue de las primeras en electrificarse y amplificarse, y por ser un instrumento de moda, pues era un negocio saneado; ahí aprende Leo el ABC de los amplificadores. En ese entonces, se diferenciaban los dos tipos principales de guitarras entre Steel Guitars y Spanish Guitars, por aquello de que a la guitarra tradicional se le conocía genéricamente en ese entonces también como guitarra española.

Un primer socio en las locuras geniales de Leo Fender fue Clayton Orr Kauffmann ,el famoso «Doc», quien aparte de ser violinista profesional y ejecutante de la guitarra Steel, compartía el hobby con Leo, se conocieron cuando Doc llevó a reparar su amplificador con él; desarrollaron juntos proyectos para financiar sus sueños en común y empezaron a construir Steel Guitars y amplificadores por ahí de 1946, la nueva operación se llamó Fender Manufacturing, y volvería a cambiar de razón social a Fender Electric Instrument Co. en 1947. Ahora que la guerra había terminado, el sentimiento generalizado de los norteamericanos era que la producción en masa satisfaría las necesidades de sus habitantes, quienes tendrían tranquilidad y poder adquisitivo para consumir, gracias al inicio «fresco» que esto conllevaba. El último socio importante que encontró Fender, fue un fabricante de moldes y troquelados metálicos, Karl Olmsted, quien con su compañía Race & Olmsted proveía de las piezas metálicas que se requerían para producir guitarras de cuerpo sólido, con electrónica simple, pastillas electromagnéticas a guisa de micrófonos (pick-ups) y piezas armables y atornillables que el individuo medio podría ensamblar sin problemas; esto, junto con la necesidad satisfecha de amplificación del sonido de una guitarra, condujo al gran acontecimiento de obtener la forma más práctica de producir guitarras eléctricas en serie; pero a pesar de ser el inicio de varias industrias multimillonarias, este suceso no tuvo un arranque fácil. Sigamos leyendo:

Leo Fender inició formalmente los trabajos de lo qué conoceríamos después como la Fender Telecaster en 1949, a la que podríamos en definitiva llamar, la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido fabricada en serie con fines comerciales. Era un instrumento dirigido al músico que trabajaba todos los días, que podía ajustar y reparar con refacciones compradas y un desarmador si fuese necesario; para la talacha, pues, y el primer género musical que se vio beneficiado de este sonido tan novedoso fue el Western Swing, que inició su popularidad también en la década de los treintas y que vivió  su génesis en salones de square dance en Texas, con exponentes como Spade Cooley, Los Brazos Valley Boys, y sobre todo, un músico brillante que hubiera sido todo un rockstar de haber aparecido 10 años después: Jimmy Bryant. Unos meses después, a principios de 1950, surgió el famoso diseño que algunos incrédulos llamaron «un bastón de hockey» «un remo» o incluso » una pala para nieve» y que era una tabla de casi dos pulgadas de ancho, sin contornos y con una austeridad casi espartana, incluso en su esquema de color original, llamado Butterscotch Blonde, que no es más que un amarillo crema oscuro con un golpeador (Pickguard) de color negro; el diseño con una sola pastilla (la del puente) se le llamó Esquire, y la de dos pastillas se llamó Broadcaster, nombre que causó un incidente con la Gretsch, la cual demandó a Fender por usar ese nombre, por que un set de batería de Fred Gretsch se llamaba Broadkaster, fabricado a partir de 1949. Qué delicados.

Como ya se habían fabricado varias guitarras con la calcomanía del nombre «Broadcaster» se decidió retirar ese nombre de la cabeza o pala de la guitarra, dejando solo el logotipo Fender estilo «Spaghetti» y sin nombre del modelo; esas guitarras se conocieron como «Nocaster» y son sumamente valoradas por los coleccionistas desde hace varios años. A partir de la producción en 1950 de estas guitarras, también se volvió un standard de la industria el refuerzo metálico ajustable para el cuello de la guitarra (truss rod) que evitaría las torceduras del mismo. De hecho, la primera guitarra eléctrica cuerpo sólido producida en serie es la Broadcaster. Pero el éxito comercial ya le pertenecería a la Telecaster, nombre adoptado de una vez por todas a partir de abril de 1951, la guitarra del estrella Jimmy Bryant, la que usó Fred Tavares para el inicio del tema musical de los cartoons Looney Tunes, la guitarra que por la cual el gerente de ventas de Fender, Dale Hyatt tuvo que soportar la burla de que le ofrecieran a cambio de una guitarra Telecaster con amplificador un tren eléctrico Lionel. La que inició costando $189.50 USD, con construcción de madera de fresno (ash), con estuche rígido de tweed (pana), tahalí de piel natural y cable conector. El sonido de esta guitarra es típico en los géneros del Rock, Rockabilly, Western Swing, Blues, Country y Sonido Memphis. Los modelos subsecuentes usaron combinaciones de colores con golpeadores blancos, sombreado de dos y tres colores, y las muy codiciadas custom colors, en 1968 viene una modificación interesante en los colores que ofrecía el catálogo Fender, al aplicar un esquema por medio de la aplicación de papel tapiz con motivos psicodélicos en rosa y azul: el muy cotizado Paisley.

La Telecaster es una guitarra de sonido muy agudo, sobre todo con su pastilla del Puente, que al combinarla con la pastilla lipstick del cuello se suaviza y balancea el sonido, y se produce su mejor tonalidad. Su selector es de tres posiciones, y te permite escuchar en solitario la pastilla del cuello, la del puente y la combinación de ambas.

Algunos de los músicos más emblemáticos que se relacionan con esta guitarra, son:

Rockabilly: Cliff Gallup (Gene Vincent and The Blue Caps) Luther Perkins (Johnny Cash’s The Tennessee Three)

Country: James Burton (Ricky Nelson, Elvis Presley y músico de sesión) Roy Acuff, Brad Paisley, Garth Brooks

Blues: Ike Turner, Muddy Waters, Steve Cropper (Booker T & The MG’s)

Rock: Bruce Springsteen, Tommy Tutone, Ray Davies, Carl Wilson, Nokie Edwards (The Ventures)

Heavy Metal: John Five

Plastipunk: Avril Lavigne

Curiosidades de la Telecaster:

*George Harrison usó un modelo hecho de caoba para el famoso rooftop concert de 1969, su sonido emblemático es muy identificable en canciones como I Me Mine, Get Back o Don’t Let Me Down. Junto con esta guitarra, una Stratocaster de 1965, (usada en Nowhere Man) así como un bajo de seis cuerdas Fender VI, (muy visible en el video de Hey Jude y en las sesiones del álbum blanco de 1968) son los únicos instrumentos musicales de marca Fender que usaron los Beatles, a pesar de que se les ofreció ser embajadores de la marca desde 1964, en su primera gira americana.

*En la etapa solista del cuarteto de Liverpool, John, Paul y George usaron varios instrumentos de Fender, principalmente Telecasters y Stratocasters.

*Ningún grupo mexicano de la primera época del rock and roll 1959-1963 usó una Telecaster.

*El primer rocker mexicano fotografiado con una Telecaster fue Javier Bátiz, por ahí de 1964.

*Jeff Beck usó mucho este modelo en su época con los Yardbirds, en su versión de una sola pastilla, la Esquire., la cual le fue vendida por $ 40 USD por John Maus, de los Walker Brothers.

*El sonido de esta guitarra es muy identificable con la música Country de los 60’s a la actualidad; se ha utilizado en una gran cantidad de sesiones de grabación en Nashville.

Les dejo tres muestras del sonido de esta emblemática guitarra, la primera es Johnny Cash con «I Walk The Line » la segunda»Born to Run» del Jefe Springsteen y la tercera es «Broken Heart» de los Moonlighters, aquí podremos tener una muy buena idea del sonido de las primeras Telecasters.

Será motivo de un análisis posterior la Telecaster Deluxe y la Telecaster aligerada de 1972, que son variaciones sobre el mismo tema, pero con características diferentes a la original.

Johnny Cash:

Bruce Springsteen:

The Moonlighters:

How Do You Sleep, la agresiva canción de John para Paul

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El 10 de abril de 1970 Paul McCartney anunció al mundo que renunciaba a The Beatles, además su primer disco como solista salió antes que Let It Be, lo que provocó molestia entre sus compañeros, en especial en John Lennon. Desde 1968 la situación del grupo ya no era como en sus inicios, cada uno componía sus canciones y trabajaban en ellas de manera independiente, en 1969 los problemas se acrecentaron y luego de la grabación de la obra Abbey Road, no volvieron a estar juntos en un estudio, el grupo estaba separado aunque no de manera oficial. Los problemas entre John y Paul por las cuestiones financieras de Apple Corps eran el punto central de fuertes discusiones, incluso Lennon le envió una carta muy ofensiva a McCartney que podemos leer aquí: https://elcirculobeatle.com/que-dios-te-ayude-paul

Luego del anuncio de McCartney, el enojo de John se debía a que él un año antes había pensado en abandonar el grupo, pero su manager Allen Klein lo convenció de no hacerlo. Lennon quería ser quien disolviera al grupo, ya que él lo había creado, pero Paul se adelantó. Incluso se dice que el mismo Lennon fue a casa del bajista para arrojarle piedras y reclamarle lo que había hecho. La agrupación dejó de existir y cada uno ellos comenzaron sus carreras solistas.

Pero los dimes y diretes por ambas partes se hacían presentes en fotografías y canciones. En el momento en que Paul McCartney sacó su segundo disco Ram en mayo de 1971, John Lennon se sintió aludido desde la fotografía de la portada (Paul sostiene de los cuernos a un carnero). Según Lennon su ex compañero de grupo lo estaba insultando en canciones como Too Many People, Dear Boy y Three Legs. En algún momento McCartney reconoció que si escribió de John en el tema Too Many People, pero se lava las manos en las demás referencias que molestaron a los Lennon. En la entrevista que Paul ofreció para la revista Playboy explica: El otro día estaba revisando mi segundo disco como solista, RAM, y recuerdo que había una pequeña referencia a John en él. El había estado predicando y me tenía un poco incómodo. En una canción escribí: “Demasiada gente predicando”, creo que es lo que dice. Lo que quiero decir es que eso fue como una indirecta para John y Yoko. No hubo más nada sobre ellos. Oh, también escribí: “Tomaste tu momento de suerte y lo rompiste en dos”.

La respuesta de John Lennon no tardó mucho en aparecer, discográficamente hablando llego un mes después en junio cuando editó su álbum Imagine. Muchos expertos en el tema señalan que hay dos canciones que hablan de McCartney, una de ellas es Crippled Inside, en la cual el llamado jefe beatle le estaría diciendo a quien fuera su amigo que exteriormente luce muy bien pero por dentro está lisiado (You can shine your shoes and wear a suit. You can comb your hair and look quite cute. You can hide your face behind a smile. One thing you can’t hide Is when you’re crippled inside)

El siguiente tema que le dedica a Paul es más directo en su letra y le puso por título How Do You Sleep. Cabe mencionar que en ambas canciones participó en la guitarra George Harrison, junto con Alan White en la batería, Nicky Hopkins en el piano y Klaus Voorman en el bajo. Tiempo después John aclaró en una entrevista que en realidad la letra no hacía referencia a Paul, que todo era acerca de él mismo, pero en otras declaraciones expresaba: Era sólo un estado de ánimo. Paul lo tomó como lo hizo porque obviamente se refiere explícitamente a él, y la gente simplemente lo acosaba al respecto, preguntando: «¿Cómo te sientes al respecto?»

How Do You Sleep si fue un ataque en contra de Paul McCartney, la letra de John Lennon en sus tres estrofas lo demuestran:

1. So Sgt. Pepper took you by surprise. You better see right through that mother’s eyes. Those freaks was right when they said you was dead.The one mistake you made was in your head.
(Entonces el Sgt Pepper te tomó por sorpresa. Será mejor que veas a través de los ojos de esa madre. Esos fenómenos tenían razón cuando dijeron que estabas muerto .El único error que cometiste fue en tu cabeza)

En 1967 salió a la venta el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band y llevó a The Beatles a lo más alto de su carrera. La idea central de la obra fue una idea de Paul McCartney quien es autor de la mayoría de las canciones del disco. Sin duda no sólo tomó por sorpresa a Paul sino a todo el grupo.

John Lennon en esa misma estrofa se refiera al mito de la muerte de Paul McCartney. En 1969 un locutor, llamado Russ Gibb, de una estación de radio norteamericana recibe una llamada de alguien que le dice que McCartney murió en 1965 y que desde ese entonces ha sido sustituido por un tipo de nombre William Campbell y todo se puede cotejar en pistas que se encuentran en canciones y portadas de los discos de The Beatles. John Lennon retoma ese hecho y lo remata diciendo a Paul que en realidad si está muerto, pero no en el sentido literal, Paul sigue vivo. John sólo le aplicó a Paul la llamada muerte civil.

2. You live with straights who tell you, you was king. Jump when your momma tell you anything .The only thing you done was yesterday and since you’re gone you’re just another day
(Vives con gente bien que te dicen que fuiste rey. Salta cuando tu mamá te dice algo .Lo único que hiciste fue Yesterday y como te has ido, sólo eres Another Day)

Aquí podemos especular que Lennon se refiere a la familia Eastman, Paul tenía una estrecha relación con su suegro y su cuñado (Lee y John, abogados) quienes lo aconsejaron legalmente el rechazar al manager Allen Klein y revisar las finanzas del grupo, todo esto en 1969.

En la siguiente parte Lennon se muerde la lengua al decir salta cuando tu mamá te dice algo. De los dos ex Beatles el más apegado a su mujer, en lo artístico o en lo cotidiano, era John Lennon. Paul McCartney involucró a su esposa Linda en el grupo Wings, pero en realidad no tenía mucho peso en la creación de las canciones, a diferencia de Yoko que en la actualidad alega que el tema Imagine es de ella, además que en algún momento le pidió a John que le cediera las derechos y regalías de sus canciones.

Al final de la estrofa John hace un juego de palabras muy ingenioso y es muy tajante al decir que lo único bueno que hizo McCartney fue la canción Yesterday. Lennon olvidó en ese momento muchos temas que Paul escribió y que llevaron a The Beatles a la cúspide de la fama. Luego trata de demeritar la melodía Another Day de Paul, la cual salió a principios de 1971 y la cual se colocó en buenos sitios dentro de las listas de popularidad en ambos continentes.

Al respecto de esta estrofa McCartney declaró en 1971, a la revista Melody Maker: ¿Y qué si vivo con personas bien? Me gustan. Tengo bebés bien. No le afecta a él. Él dice que lo único que hice fue Yesterday. Él sabe que eso está mal. Él lo sabe y yo sé que no es cierto.

3. A pretty face may last a year or two.But pretty soon they’ll see what you can do. The sound you make is Muzak to my ears. You must have learned something in all those years.
(Una cara bonita puede durar uno o dos años, pero muy pronto verán lo que puedes hacer.El sonido que haces es Muzak -música ambiental- para mis oídos. Debes haber aprendido algo en todos esos años)

La última estrofa le dice John a Paul que la belleza no le va a durar toda la vida y nos daremos cuenta de lo que puede hacer. Efectivamente los años han pasado y McCartney sigue vigente grabando discos o llenando estadios ¿Aún tiene una cara bonita? Sin duda.

Muzak es una marca comercial que se encarga de crear y vender música ambiental, la cual se puede escuchar en elevadores, supermercados, balnearios y salas de espera entre muchos otros lugares. Fue creada en 1910 por el General George Owen Squier. Muzak ha tomado éxitos comerciales de rock o pop y los ha hecho instrumentales. Cuando John le dice a Paul que su música es Muzak es porque carece de alma sin ningún valor artístico y le termina diciendo que debía haber aprendido algo en esos años. En 1971 ambos músicos tenían poco de haber iniciado una carrera en solitario, los grandes éxitos aún no llegaban, pero lo curioso es que Muzak tiene en su catálogo música de ambos artistas que se llegan a escuchar en las bocinas de los supermercados.

John Lennon en cuanto insultos, no sólo era sarcástico también era cruel. En algún momento llegó a insultar a George Harrison (luego de que este no lo incluyera como influencia en su autobiografía), a George Martin (de quien no reconoció su importante labor como productor) y a Allen Klein ( le dedicó la canción Steel and Glass que francamente si se lo merecía). Pero debemos reconocer que pese a la temática How Do You Sleep, es una gran canción.

Un talentoso cantautor: Neil Diamond

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¡Hola amigos! Espero que estén bien de salud y en los otros aspectos también.

Hoy tenemos un talento de lujo: el Sr. Neil Leslie Diamond, quien nació el 24 de enero del año 1941 en Brooklyn, New York y que está llegando a la venerable edad de 79 años.

Descendiente de familias rusas y polacas judías emigradas, también pasó parte de su niñez en Cheyenne, Wyoming a causa de que su padre Akeeba Diamond fue trasladado ahí por el ejército de los Estados Unidos en donde estaba enlistado.

De regreso a Brooklyn y ya adolescente asiste a la preparatoria Erasmus Hall donde entra a formar parte del Freshman Chorus And Choral Club junto con una condiscípula que también sería súper famosa, Barbra Streisand, aunque nunca fueron amigos cercanos según lo narra en una entrevista el mismo Diamond: «Sólo éramos unos chicos judíos  humildes que nos reuníamos frente a la entrada de la escuela para fumar algún cigarrillo”.

Más tarde la familia tuvo que mudarse de nuevo y vino otro cambio más de escuela, ahora la prepa Abraham Lincoln en donde se interesó por la práctica del Esgrima llegando a formar parte del equipo de la escuela.

A la edad de 16 recibió como regalo una guitarra, un gran presente si tomamos en cuenta que estamos en el año 1957, durante el auge del Rock & Roll.

Por esa época fue enviado a un campamento veraniego para jóvenes judíos donde el legendario Pete Seeger dio un pequeño concierto y recibió por parte de su joven audiencia canciones escritas por ellos para él; este hecho abrió para Neil la posibilidad e ilusión de escribir sus propias canciones y al regresar a casa una de las primeras cosas que hizo fue tomar clases de guitarra (a la cual se aficionó), ayudándolo a tener su primer interés verdadero en algo y como medio de liberar sus propias frustraciones de adolescente, desarrollando al mismo tiempo habilidades literarias.

Esto le dio cierta popularidad entre sus compañeros de escuela quienes le pagaban para que hiciera poemas para sus chicas, agregando a algunos de ellos música acentuando el efecto romántico.

Al graduarse va a la New York University a estudiar la carrera de Medicina gracias a una beca deportiva por el Esgrima, llegando a formar parte del equipo colegial campeón de 1960. Sin embargo, a pesar de tal nivel de actividad académica y deportiva comienza a aburrirse y comenzó a saltarse clases para ir al famoso Tin Pan Alley  para darse a conocer con sus composiciones con los editores que trabajaban ahí.

En su último año en la Universidad y con solo 10 créditos pendientes para su graduación, recibe una oferta de trabajo por parte de la editora Sunbeam Music que consistía en un contrato de 16 semanas con un pago de 50 dólares semanales, el cual acepta dejando así inconclusos sus estudios.

La editora no le renovó el contrato, y entonces Neil comenzó a trabajar mediante demos presentándolos a distintas editoras y casas grabadoras.

Logró un contrato de grabación  junto con un viejo amigo de la secundaria llamado Jack Packer y sacaron tres grabaciones bajo el nombre de Neil &Jack un dueto en el estilo de The Everly Brothers, obteniendo muy buenas críticas por parte de la publicación Cashbox pero fracasando en llegar al Hit Parade.

En 1962 logra un contrato con CBS como solista y la compañía lanza en 1963 el sencillo At Night teniendo en el otro lado la cancion Clown Town, obteniendo muy buenas críticas pero fallando una vez más en el gusto popular, lo que causó que la disquera lo diera de baja, volviendo  ser un joven que iba y venía presentando sus canciones a diversas compañías grabadoras y editoras.

Fué una época de penurias económicas, llegando al extremo de subsistencia. Pero esa cirscunstancia le dió a Neil más ánimo y comenzando a pulír sus letras buscando los famosos ganchos (hooks en inglés, frases que quedan en la mente del público) logrando poco a poco que sus canciones dijeran cosas que otras no habían dicho. Entre esas composiciones estuvieron Cherry, Cherry y Solitary Man, siendo ésta última la primera canción grabada por él bajo su nombre que llegó al Hit Parade volviéndose su preferida, escuchémosla:

Solitary Man fué  la canción con la que debutó como solista en febrero de 1966, grabada en BANG Records, la combinación de una música rítmica con una letra introspectiva fue irresistible para las audiencias llegando en esa fecha al lugar 55 de las listas pero cuando fue relanzada en 1970 llegó al lugar 21.

Muchos críticos la consideran como la canción insignia de Neil y él un poco en broma años después dijo: «Tras cuatro arduos años de psicoanálisis tengo que aceptar que sí, Solitary Man trata de mí…»

El éxito como compositor llegó un poco antes, ya trabajando en el famoso Brill Building con la canción Sunday for Me que con Jay & The Americans llega al lugar 20 de popularidad en 1965, mejorando mucho más con las canciones que dió a The Monkees: I’m a Believer,  A Little Bit Me, a Little Bit You y Look Out (Here Comes Tomorrow).

Aunque Neil también las grabó, los covers salieron antes y fueron muy exitosos, lo que le comenzó a dar una fama no deseada por él como compositor únicamente.

En 1966 firma contrato con BANG Records y a Solitary Man le siguen dos éxitos: Cherry, Cherry y  Kentucky Woman. Escuchemos ésta última en dos versiones, la de estudio y una acústica en una presentación en televisión. Hubo también una excelente versión de Deep Purple para esta clásica.

Sus primeras presentaciones personales las hace como telonero de Herman’s Hermits y de The Who, pero comenzó a sentirse incómodo con las condiciones que le quería imponer su disquera, entre ellas por el pago de regalías y por la exigencia de que escribiera más canciones pop siendo que él quería probar con canciones más profundas.

Después del lanzamiento de la canción Shilo (que por cierto trata sobre un amigo imaginario de su infancia y no de un soldado de la Guerra Civil Norteamericana como se creyó durante mucho tiempo), vino el rompimiento causando un conflicto legal que se prolongó hasta avanzada la década de los setentas, el cual se resolvió favorablemente para Neil.

En 1969  cambia de disquera a Uni Records -que es en la actualidad Universal Music– provocando un cambio de residencia de New York a Los Angeles, California. Ahí  y después del éxito Brother Love’s Travelling Salvation Show (que llega al lugar 22)  graba otra clásica  llamada Sweet Caroline que llega al lugar 4 del Hit Parade, escuchémosla:

Sin importar si fue escrita pensando en Caroline Kennedy o en su esposa Marcia, es una clásica que fue elegida para estar en la Biblioteca del Congreso de EEUU por ser «Valiosa cultural, histórica  y estéticamente».

En agosto de 1970 graba su primer número 1 del Hit  Parade y es nada menos que Cracklin Rosie acompañado por grandes músicos de The Wrecking Crew, entre ellos Hal Blaine en la batería, Larry Knechtel (después miembro del grupo Bread ya reseñado en una columna anterior de mi autoría) en los teclados, Joe Osborn en el bajo, y Al Casey en las percusiones.

Como trivia les platico que existen varias versiones del significado de la canción, entre ellas que  se refiere a un vino rosado espumoso ligero que estaba muy de moda entre el estudiantado universitario de la Costa Oeste, pero el mismo Neil ha dicho que la canción se inspiró en una historia acerca de una tribu indígena canadiense en la cual había más hombres que mujeres, por lo que en las noches los desafortunados solitarios se reunían sentados alrededor de una fogata a beber y tratar de ahogar esa soledad pensando e imaginando mujeres.

Esta canción pertenece al álbum Tap Root Manuscript donde desarrolla su música por nuevos senderos y siendo pionero en lo que respecta a dar a conocer al público en general lo que ahora llamamos Música del Mundo (gracias Putumayo Records) donde experimenta con instrumentos y cadencias  musicales de otras culturas.
Como ejemplo les pongo a su consideración esta rola que en lo personal es la primera que escuché de nuestro artista aquí en México, con ustedes Soolaimon:

Esta canción me trae grandes recuerdos de mi niñez oyendo la estación de radio 590 La Pantera y en lo personal es la que más me gusta de Diamond, por cierto es una deformación del saludo islámico «Salam Aleikhun» «La Paz Sea Contigo».

Toca el turno a otro gran éxito que quizá sea el más personal e introspectivo de Neil, me refiero a I Am I Said que lanzado como sencillo en marzo de 1971 llega al cuarto lugar de popularidad en mayo del mismo año, es una canción tan personal que tardó cuatro meses en terminarla de componer.

Y escuchando el resultado estarán de acuerdo que fueron muy bien aprovechados, con ustedes  «Yo soy dije» en versión de estudio y también en una presentación personal, y como bonus el cover italiano a cargo de la bella Caterina Caselli  La Casa Degli Angeli o «La Casa de los Angeles»

Sobre Neil Diamond se pueden escribir no una ni dos, sino muchas columnas dedicadas a este talentoso señor, por el momento dejaremos su  historia desde sus inicios hasta los primeros años setenta con la intención de continuar en una futura columna para completar este relato; mientras tanto y como despedida les dejo otro regalo, la hermosa canción
Girl You’ll Be a Woman Soon que llegó al lugar 10 del Hit Parade en 1967 y pertenece al álbum Just for You. Cabe mencionar que la versión de Urge Overkill a esta canción ocupa un lugar preponderante en la trama de la película de 1994 Pulp Fiction, del director Quentin Tarantino. ¡Hasta la próxima columna amigos!

Deseos, esperanzas y expectativas

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De acuerdo a una definición encontrada casi aleatoriamente en la red mundial, FUTURO es aquello que está por venir (justo por eso, porvenir es sinónimo de futuro). Por lo tanto, es una conjetura que puede ser calculada, especulada, teorizada o anticipada de acuerdo a los datos que se tienen un momento concreto.

Hoy te presento tres piezas musicales basadas en deseos, esperanzas y expectativas e interpretadas por tres Beatles: Ringo Starr, Paul McCartney y John Lennon.

Esta canción, autoría de Leigh Harline y Ned Washington para la película Pinocho de Walt Disney, ganó el Oscar para la Mejor Canción Original en 1940. Desde entonces, millones de personas en el mundo la asocian con su niñez y con el hermoso anhelo de que si volteas al cielo en la noche y expresas tus deseos con el corazón, tus sueños se volverán realidad.

When You Wish Upon A Star resultó ser tan emotiva que, a lo largo del tiempo, artistas del nivel de Glenn Miller, Rosemary Clooney, Eddie Fisher, Stevie Wonder, Louis Armstrong, Judy Collins, Linda Ronstadt, Diana Ross & The Supremes y Olivia Newton-John sucumbieron ante la tentación de hacer un cover de ésta, sabiendo perfectamente que no había manera de perder prestigio o éxito al sacarla al mercado.

Tanto fue el encanto de la pieza, que en 1988 el productor norteamericano Hal Wilner decidió que When You Wish Upon A Star tendría que ser aquella que cerrara su nuevo álbum tributo a la música de Disney titulado Stay Awake y en la cual, además de tener al fabuloso Ringo Starr cantándola, tendría la colaboración del internacional trompetista y cofundador de A&M Records, Herb Alpert.

La grabación de Ringo y Alpert inició en octubre de 1987 y, un año después, Stay Awake fue presentado como disco promocional en Alemania con un subsecuente lanzamiento en los Estados Unidos. Incluyó además la participación de Harry Nilsson (Zip-a-Dee-Doo-Dah), James Taylor (Second Star To The Right –Peter Pan-), Sinéad O’Connor (Some Day My Prince Will Come), Aaron Neville (Mickey Mouse March) y Suzanne Vega (Stay Awake –Mary Poppins-), entre otros más.

Aquí, su bella letra:

Producida por Giles Martin y con autoría de Paul McCartney, Marty O’Donnell y Mike Salvatory, Hope For The Future fue una canción compuesta para el videojuego Destiny. Aparece en los créditos al final del mismo.

La colaboración de Paul con O’Donnell y Mike Salvatory fue un proceso que duró dos años en los cuales los compositores especializados en música para los videojuegos de Halo, la subdivisión de Xbox, intercambiaron ideas y temas con el Beatle.

Fue tanta la emoción de Paul de incursionar en un nuevo género musical que avisó en su Twitter el inicio de su trabajo para Hope For The Future en julio de 2012.

La grabación se realizó con los siguientes artistas:

Paul McCartney: voz, guitarra, piano
Rusty Anderson: guitarra líder
Brian Ray: bajo
Paul ‘Wix’ Wickens: teclados
Abe Laboriel Jr: batería
Toby Pitman: teclado, programación
Ben Foster: conductor, arreglista
Caroline Dale: cello
Libera: coro infantil

Destiny salió al mercado en septiembre de 2014 para las consolas de videjojuegos PlayStation 3, PlayStation 4, Xbox 360 y Xbox One. Por su parte, Hope For The Future fue lanzada como descarga digital de iTunes en diciembre de 2014 junto con cuatro mezclas alternativas de la misma.

Aquí la letra de la esperanza hacia el futuro:

John compuso Grow Old With Me como respuesta a un reto que Yoko le lanzó en julio de 1980. Ésta había compuesto la canción Let Me Count The Ways basándose en el soneto de la poetisa Elizabeth Barrett Browning del mismo nombre y lo desafió a hacer lo mismo tomando como base un poema de amor.

John compuso entonces la romántica Grow Old With Me durante su viaje a las Islas Bermudas entre junio y julio de 1980. Para su letra, se basó en el poema titulado Rabbi Ben Ezra del poeta y dramaturgo del Siglo XIX, Robert Browning, cuyas primeras líneas son:

Sin embargo, la letra completa de la versión de John resultó ser mucho más emocional:

John grabó la canción en su departamento del Edificio Dakota de Nueva York en noviembre de 1980, unos días antes de su asesinato. Ésta salió oficialmente en el álbum póstumo de John (y la aún viva Yoko), Milk And Honey, en enero de 1984.

Grow Old With Me fue una de las cuatro canciones que Paul recibió de manos de Yoko el miércoles 19 de enero de 1994 incluidas en un cassette. Tener grabaciones inéditas de John había sido la meta desde 1991 para Paul y Neil Aspinall quienes aspiraban a concretar el proyecto inicialmente conocido como The Long And Winding Road y que vió la luz en 1995 bajo el nombre The Beatles Anthology en formato de audio, video y libro impreso. De éste, sólo Real Love y Free As A Bird fueron utilizadas, en parte por la resistencia de George a aguantar más tiempo a sus excompañeros de banda en un estudio y en otra, por la mala calidad de grabación de las restantes.

Por su parte, Ringo interpretó con todo su estilo único este himno a las expectativas amorosas en su más reciente producto llamado What’s My Name, que salió al mercado en octubre de 2019. Vale la pena que lo oigan ya que, además, Paul toca el bajo y hace los coros en esta versión.

Por lo pronto, aquí está la versión de John: